Hoe videogames een nieuwe speeltuin voor kunstenaars werden

Uterus Man is een onwaarschijnlijke superheld. Met stekelig wit haar en een pantser in de kleur van spieren en pezen, beschikt hij over verschillende speciale aanvallen, de minst schandalig daarvan zou “bloedkolom” of “navelstrengzweep” kunnen zijn. Hij rijdt rond op een ‘maandverband-skateboard’ of soms op de snellere ‘bekkenwagen’. Het uitbundige filmclip waarin Uterus Man wordt geïntroduceerd, lijkt op een filmpje uit een vechtspel zoals Tekken, hoewel ik hem voor het eerst tegenkwam, niet op mijn PlayStation thuis, maar in de Zabludowicz Collection, een kunstgalerie in Noord-Londen. Het maakt deel uit van een retrospectief over de Chinese digitale kunstenaar LuYang, wiens werk zich op het vruchtbare kruispunt van gaming en hedendaagse kunst bevindt.

LuYang, geboren in Shanghai in 1984 en gevestigd in Tokio, maakt deel uit van een generatie kunstenaars die opgroeide met een dieet van videogames en nu hun thema's deconstrueren en hun beeldtaal opnieuw gebruiken. Ze laten zien hoe games de horizon van de beeldende kunst verbreden, niet alleen wat betreft het onderwerp, maar ook door nieuwe hulpmiddelen te bieden die de reikwijdte en schaal van wat een enkele kunstenaar kan creëren radicaal vergroten.

Centraal in de tentoonstelling staat LuYangs animatiefilm van een half uur DOKU het Zelf, dat dit jaar in première ging op de Biënnale van Venetië en existentiële vragen rond reïncarnatie en de aard van bewustzijn onderzoekt. De meerdere personages en hifi-danssequenties hadden misschien twintig jaar geleden miljoenen dollars en een enorm team gekost om te produceren, maar kunnen nu door één enkele artiest met een bescheiden budget worden gemaakt met behulp van game-engines zoals Unity en Unreal Engine.

Alle kunstenaars zijn in zekere zin wereldbouwers, die hun eigen esthetische universums creëren met karakters, vormen en zorgen die in hun werk terugkomen, maar deze tools maken het mogelijk om met minimale rompslomp digitale assets te genereren, manipuleren en hergebruiken. Andere artiesten die soortgelijke technieken gebruiken, zijn onder meer Laurentius Lek, wiens game-achtige films worden aangedreven door sci-fi-verhalen waarin de toekomst van technologie in China wordt onderzocht, en Ian Cheng, wiens werk over het ondervragen van AI is vertoond in het MoMA en de Whitney in New York.

In een gang aan de achterkant van de LuYang-tentoonstelling ligt een verrassing: een enorme retro-futuristische speelhal met een dambordvloer en pulserende neonlichten, met speelbare speelautomaten van de kunstenaar. Ze omvatten een dansspel en een racer met Uterus Man-thema waarin je op een levensgrote plastic motor rijdt. Voor een gamer kunnen deze ervaringen misschien ongepolijst aanvoelen, maar ze bieden nog steeds een spannende kans om een ​​actieve deelnemer te worden in de wereld van LuYang en zo nauwer te worstelen met hun terugkerende personages en ideeën.

De ideeën zijn fascinerend. De karakters erin DOKU worden gepresenteerd als stijlvolle strijders, maar vertegenwoordigen elk in feite een ander pad naar boeddhistische reïncarnatie. De video's zijn erg leuk en zeer fantastisch, maar gaan ook oprecht in op urgente hedendaagse vragen: wat gebeurt er met de menselijke ziel in een digitaal gemedieerde wereld? En wat wordt er gewonnen en verloren als het lichaam wordt herschapen in de virtuele ruimte, als vlees en bloed pixel en polygoon worden? Zelfs Uterus Man wordt niet alleen gespeeld om te lachen, maar roept ook vragen op over geslacht en het voortplantingssysteem.

Als tiener die opgroeide met anime en games, besefte ik dat deze vragen vaak aanwezig waren onder de oppervlakte van ingewikkeld Japans rollenspellen en sci-fi anime, waarin iedereen altijd lijkt te preken over het hiernamaals of God te vermoorden. Toch moedigde de galerieruimte mij aan om dieper over de ideeën na te denken, vooral in een zielsrustgevende ruimte zoals de hoofdkamer van Zabludowicz, die ooit het schip was van een Methodistenkerk.

De meest vreugdevolle kwaliteit die LuYang aan anime ontleent, is de melodramatische toon, waardoor verhalen hyperkleurig en zeer kamperig kunnen zijn, maar toch belangrijke vragen stellen. Een soortgelijke techniek wordt gebruikt door Theo Triantafyllidis, wiens film Pijplijn voor radicalisering, gemaakt met behulp van een game-engine, stelt sociale mediaplatforms opnieuw voor als conflictgebieden voor videogames waar Trump-supporters met een MAGA-pet de strijd aangaan met orcs die middeleeuwse wapens hanteren.

De kunstenaars in de voorhoede van de digitale kunst gebruiken software die de komende jaren alleen maar krachtiger en toegankelijker zal worden. Hun werk geeft kunstliefhebbers die gaming nooit hebben begrepen de kans om te zien wat videogames te bieden hebben. Het omgekeerde is ook waar. Op verschillende punten in de tentoonstelling passeerde ik twee jonge vrouwen met roze haar die zichzelf filmden terwijl ze dansten op de complexe choreografie van LuYang terwijl ze luisterden naar zijn selecties van technopop. Ze leken opgetogen dat ze kunst hadden ontdekt die echt hun taal sprak.

‘LuYang NetiNeti’ in de Zabludowicz-collectie tot 12 februari zabludowiczcollection.com

Hoe videogames een nieuwe speeltuin voor kunstenaars werden Heruitgegeven vanaf bron https://www.ft.com/content/80c7c492-fc30-494b-9e64-3f94d0363d53 via https://www.ft.com/companies/technology?format= rss

<!–

->